miércoles, 28 de octubre de 2009

El museo tira de fondo de armario

www.elpais.es

Los directores de los grandes centros buscan estrategias para ganar visitantes - Entre las medidas anticrisis se impone el recurso a las propias colecciones

ÁNGELES GARCÍA - Madrid - 28/10/2009

Cuando la fórmula de las grandes exposiciones parece agotada y los museos ven cada vez más mermados sus presupuestos, llega la hora de recurrir al fondo de armario. Rentabilizar las propias colecciones de cada museo. Algo que en los casos del Prado, el Metropolitan de Nueva York o el vienés Albertina, se presenta en este arranque de temporada como un recurso idóneo. Pero no el único. Los museos británicos, con un 40% de su gasto sufragado por el Estado, son de los pocos que se agarran a la vieja fórmula de las exposiciones estrella con un alarde de marketing y publicidad para encontrar ofertas que logren epatar. ¿Una tercera posibilidad? Ampliar las sedes del propio museo, como el Louvre, que está a punto de abrir una franquicia en Abu-Dhabi. La estrategia no es nueva: recuerda a la política de franquicias del Guggenheim.

En la National Gallery defienden el conocimiento frente al espectáculo

Zugaza: "El Prado es inagotable, la muestra de Sorolla es un ejemplo"

Todolí: "Tenemos que conseguir que vengan visitantes y además consuman"

Borja-Villel: "La 'disneyzación' a base de franquicias no ha funcionado"

Miguel Zugaza, director del Museo del Prado, tiene clara su elección: rentabilizar sus propias colecciones. La exposición recién presentada, dedicada a esa joya oculta del barroco que es Juan Bautista Maíno (1581- 1649), es un buen ejemplo. "Creo que el plato fuerte de un museo debe ser su propia colección y las actividades temporales, apoyarse en lo que constituye la base del centro".

Nicholas Penny, director de la sede londinense de la National Gallery, defensor del conocimiento frente al espectáculo en los centros artísticos, se suma al coro de los que no ven rentable conseguir visitantes a base de extravagancias. Pese a ello, Xavier Bray -conservador jefe de los siglos XVII y XVIII de la National Gallery, que ha creado una verdadera conmoción en la temporada londinense con su exposición de escultura barroca española The sacred made real-, explica que la muestra es producto de la búsqueda de temas que con la sorpresa atraigan al público. "Seguimos las leyes del marketing y la publicidad más agresivos. No podemos permitirnos perder ni un solo visitante".

¿Tienen que ver la crisis y la reducción de presupuestos en estos planteamientos? Zugaza opina que no. "Las partidas son más limitadas, pero eso no hace que varíe el tipo de exposiciones que queremos para el museo". Este invierno, el Prado dedicará una muestra a la pintura holandesa en sus colecciones. Se presentará el catálogo razonado acompañado de una selección de los grandes maestros representados en la pinacoteca. "El Prado es un fondo inagotable", añade Zugaza. "La exposición de Sorolla, la más visitada después de la histórica de Velázquez, no es sino otro ejemplo. Contaba con piezas maestras que pertenecen a este museo y que ahora están en las salas permanentes dedicadas al XIX".

Acaso ése sea un lujo sólo al alcance de los grandes centros. El Albertina de Viena es uno de esos afortunados. Sus propios fondos andan sobrados de relumbrón. Con 65.000 dibujos y un millón de grabados de todas las épocas, sus colecciones de Durero, Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Manet o Klimt dan para varias temporadas consecutivas de éxito. De momento, el Albertina ha iniciado ésta con Impresionismo en las colecciones del museo. Courbet, Caillebotte, Manet, Monet, Renoir, Cézanne, Pissarro, Signac y Van Gogh son algunos de los autores que componen una exposición deslumbrante.

El panorama cambia al adentrarnos en el más resbaladizo terreno del arte contemporáneo. Vicente Todolí, director de la Tate Modern de Londres, opina que el recurso al "fondo de armario" sólo sirve para los museos de arte antiguo. Y va más allá. Es "el mismo caramelo con otro envoltorio. Vestir la misma colección de otra manera". Como ejemplo recurre a esas muestras que giran en torno a un tema determinado y que, dice, aburren al espectador más pintado. "Hay fórmulas que ya no se pueden repetir más: 'la nieve en el impresionismo' o 'el sol en el impresionismo', como hace el Museo de Orsay", bromea, "Ya no sirven. Hay que buscar conceptos nuevos y muy atractivos". Tras esa reflexión, quizá sorprenda saber que su gran apuesta para la primavera será Gauguin fabulador.

"La Tate Modern ha reducido la programación porque la esponsorización no existe en estos momentos y con sólo el 40% del presupuesto [aportado por el Estado] no abrimos. Tenemos que conseguir visitantes que vengan y además consuman", continúa. Y en ese consumo está una de las mayores fuentes de ingresos de la Tate: las tiendas y los puntos de restauración dependen directamente del museo. No funcionan como concesiones a empresas subsidiarias.

¿Qué opina Todolí de los museos que comparten o venden su marca como el Guggenheim o el Louvre? "Nos negamos a las franquicias porque entendemos que es imperialismo cultural. El museo tiene que nacer en un entorno propio, no puede haber colonización. No somos los únicos que nos hemos opuesto. El MOMA [neoyorquino] ha hecho lo mismo. Otra cosa es asesorar, pero los modelos no se exportan".

Manuel Borja-Villel, director del Reina Sofía, es contrario también a negociar con la marca. "El nuevo paradigma no debe consistir meramente en reducir gastos a la espera de que la tormenta amaine. Tampoco podemos insistir en aquello que no ha funcionado, esto es, la sustitución de la cultura por el espectáculo, la disneyzación de los museos basada en un sistema de franquicias por el que cada museo repite aquello que ya se ha hecho en otro sitio, en el que el espectador se dedica al reconocimiento de marcas o eslóganes y no al conocimiento de territorios desconocidos".

El responsable del Reina Sofía opina que "es necesario volver a aquello que es esencial en todo museo: a la investigación y a la educación, a que el público se convierta en agente activo, haga suyos y transforme los relatos del museo para que éstos dejen de ser miméticos del mercado y las modas. Es imprescindible que se generen otros modos de colaboración y relación basados en el trabajo en red y no en las franquicias".

Es evidente que ésa no es la forma en la que los responsables del Louvre ven las cosas. Por un millón de euros, la capital de los Emiratos Árabes contará desde 2012 con una lujosa sucursal del museo parisiense construida por Jean Nouvel. Será todo un parque temático museístico en el que la metrópoli francesa se ocupará de las exposiciones temporales. Contará con un espacio dedicado al arte contemporáneo que, con la marca Guggenheim, construye actualmente Frank Gehry. Los préstamos procedentes de las sedes-madre servirán para que gracias a los petrodólares se dé a conocer el arte antiguo a nuevas audiencias.

A estas alturas, ya queda claro que hay soluciones para todos los gustos. Incluso las basadas en el deseo. Guillermo Solana, responsable artístico del Thyssen desde hace cuatro años, confesó públicamente durante la presentación de Las lágrimas de Eros que la idea de montar esta exposición le vino a la cabeza hace año y medio, en el momento más bajo de su carrera, al borde de la depresión más absoluta... El erotismo se le apareció como una fórmula mágica de insuflar vida al espacio. Una fórmula tan criticada por algunos como aplaudida por los muchos visitantes que estos días se agolpan en las salas del Thyssen.

FÓRMULAS PARA HACER TAQUILLA

- Museo del Prado.

Miguel Zugaza está convencido de que no hay mejor oferta que la colección. Goya, Velázquez, El Greco... son un seguro que hace que los visitantes vayan una y mil veces al museo. Las ofertas temporales nacen al calor de esos grandes maestros. Sorolla y ahora Maíno son un claro ejemplo de la nueva vía del primer museo español.

- Reina Sofía.

Podría vivir de las rentas del Guernica. En cambio, Manuel Borja-Villel prefiere volver a aquello que cree que es esencial en todo museo: a la investigación y a la educación, que el público se convierta en agente activo, que haga suyos -y los transforme- los relatos del museo para que éstos dejen de ser puro mercado.

- Tate Modern.

Vicente Todolí busca visitantes y no tiene prejuicios con el concepto muestra-espectáculo. Opta por los grandes temas y por rentabilizar las secciones paralelas a los museos (librerías, restaurantes) para conseguir fondos. No cree en el fondo de armario y rechaza frontalmente las franquicias museísticas.

- National Gallery.

Aunque son los responsables de la exposición-espectáculo de la temporada, dedicada a la escultura barroca española, su director, Nicholas Penny, se declara partidario de difundir conocimiento y opina que el tesoro está dentro del museo y que no compensa conseguir nuevos visitantes a base de actividades extravagantes.

jueves, 24 de septiembre de 2009

Los papeles de Moscú

www.publico.es

Archivo literario de la antigua Unión Soviética. Cultura rescata 100.000 folios de los escritores republicanos. Ya está aquí la correspondencia, poemas y relatos inéditos y originales de Antonio Machado, Alberti, María Teresa León y Ramón J. Sender, entre otros


Los papeles de Moscú
Rafael Alberti leyendo poemas de Antonio Machado durante la inauguración de una exposición sobre los hermanos Machado, en 1987. - EFE
LUIS DÍEZ - MADRID - 24/09/2009 08:00

El poema de Antonio Machado sobre el asesinato de Federico García Lorca, El crimen fue en Granada, conmovió tanto a los rusos que no dudaron en traducirlo, publicarlo y girarle unos francos. Las cartas inéditas entre Machado y los responsables de la revista soviética Literatura Internacional, los textos y poemas originales de Rafael Alberti o las relaciones con Moscú de Ramón J. Sender, José Bergamín, María Teresa León, Pascual Pla y Beltrán y otros escritores y poetas españoles figuran entre los cientos de documentos existentes en los archivos oficiales de la antigua Unión Soviética sobre la Guerra Civil española, a los que ha tenido acceso Público y cuyo resumen puede verse aquí.

Gran parte de la documentación existente en los archivos oficiales de la antigua URSS sobre sus relaciones con la República española durante la Guerra Civil está siendo copiada y trasladada a España en un lento proceso que se inició en 2005, tras el acuerdo alcanzado entre el Gobierno y las autoridades de la Federación Rusa. Hasta el momento, la dirección general del Libro y Archivos cuantifica el rescate en unos 100.000 folios en soporte de papel, varios cientos de fotografías y 20 documentales cinematográficos. Una vez catalogados y ordenados, esa documentación de gran valor histórico podrá ser consultada en el Centro Documental de la Memoria Histórica.

Moscú descubrió a Machado y le pagó por el poema El crimen fue en Granada

Machado cotizó en Moscú

En la difusión y promoción en Rusia de la obra de Antonio Machado jugó un papel importante el redactor jefe de la revista Literatura Internacional Sergio Dinamov. El periodista y escritor se dirigía el 6 de agosto de 1935 al poeta pidiéndole que le enviara una autobiografía y una foto. Y añadía: "Tendría mucha gana de publicar en la edición rusa de nuestra revista algunas poesías suyas. ¿Podría usted hacer para nosotros una selección?" Ya en 1938, en plena Guerra Civil, el también redactor de la revista Ton Rokotov, le manifestaba la admiración que le profesaban en la Unión Soviética y le decía que habían traducido y publicado su poema sobre el asesinato de Federico García Lorca, que había aparecido en Hora de España.

Lo más sorprendente es que los rusos pagaban. El 25 de noviembre de 1938, Rokotov escribía a Machado: "Estimado maestro: me es grato comunicarle que en septiembre-octubre le he girado a usted (a la dirección de la revista Hora de España) los derechos (354 fr. 30) por su magnífico poema El crimen fue en Granada, publicado en el número 8 de Literatura Internacional, edición rusa". Machado le contestó en cuanto recibió la nota: "Me es grato poner en su conocimiento que a su debido tiempo envié el acuse de recibo correspondiente al importe de la cantidad por ustedes enviada (204,37) al Banque Comerciale pour lEuropa du Nort". Era el 4 de enero de 1939 y el poeta y su madre apenas tenían recursos para sobrevivir en Barcelona.

Los escritos originales de Rafael Alberti son de las piezas más valiosas y significativas

El valor de Alberti

Entre los textos literarios rescatados de los archivos soviéticos se encuentra el manuscrito original del relato de María Teresa León titulado Contra viento y marea. En sus 55 páginas mecanografiadas, la compañera de Rafael Alberti describe el clima bélico que se vivía en Madrid a raíz de la sublevación franquista del 18 de julio de 1936 y cómo los trabajadores se aprestaban a hacer frente a los sublevados en Somosierra y la Sierra del Guadarrama para defender la capital.

Los escritos originales de Rafael Alberti figuran, por su valor literario y significación política, entre las piezas más valiosas y significativas de los archivos rusos. Su Villancico de Navidad nos muestra un cuadro satírico único sobre la Iglesia Católica y la Corona. En Los niños de Extremadura realiza una descripción tierna y desgarrada de la pobreza y la tristeza de la infancia. Otros poemas y textos originales del poeta describen una España empobrecida, en guerra, en la que no llueve. Y también, las impresiones y emociones de sus viajes a la Unión Soviética.

El autor de La arboleda perdida no oculta su admiración por la obra de José Stalin. Y así, cuando, el 5 de marzo de 1953, el dirigente soviético abandona el mundo de los vivos, el poeta remite a los camaradas rusos desde Buenos Aires, donde se encuentra exiliado, un largo panegírico al finado. Lo titula Redoble lento por la muerte de Stalin y le califica de "padre y maestro". En esta pieza literaria inédita no glosa ninguna cualidad personal del despiadado jefe bolchevique, sino su obra industrial: "No has muerto. Hablan de ti los talleres, el hombre y la mujer nuevos. No has muerto. Lenin, junto a ti, dormido, también dirá que no has muerto", concluye el poema.

Aprecio y triunfo de Sender

Los archivos rusos contienen la fluida correspondencia que el escritor Ramón J. Sender cruzó con sus agentes literarios en Moscú, Sergei Dinamov, Margarita y Ton Rokotov, vinculados a la revista Literatura Internacional. La abundante correspondencia arranca en 1935. Sender les trata con familiaridad y les envía su producción literaria. Sus corresponsales le contestan que sus obras son muy apreciadas y le reclaman más y más textos. Durante la Guerra, ya refugiado en Pau (Francia), Sender les dice: "Escribo mucho. Ahora mi trabajo no es sólo una obligación sino una pasión social lo comprendo mejor que nunca".

Entre los textos se encuentra el original de María Teresa León, Contra viento y marea

El primer éxito del autor del Réquiem por un campesino español fue su relato Orden Público. Se lo publicó la editorial del Estado. Le siguieron Siete domingos rojos y otras novelas cortas como Agua. Su novela de mayor difusión fue Mister Witt en el cantón, de la que se publicaron 10.000 ejemplares en la editorial del Estado. Sin embargo, los rusos poseían su visión y le modificaron el final. Su corresponsal, Margarita, le escribió: "No sé que han hecho con tu final".

Claro que a Sender no le importó demasiado. En las circunstancias de guerra y exilio en las que vivía en 1938, lo importante era obtener algún dinero, de modo que contestó a sus amigos: "La edición me ha gustado mucho, aunque hubiera preferido que conservaran el final, porque de ese modo el retrato de un periodo histórico ya superado es más fiel y los lectores comprenden mejor. Pero en todo caso yo respeto las decisiones de los compañeros y comprendo que si el libro no gana nada, tampoco lo pierde".

Los archivos sobre las relaciones de los escritores republicanos españoles con sus colegas soviéticos también contienen una amplia correspondencia con José Bergamín, algunos de cuyos ensayos y poemas fueron publicados en la principal revista literaria rusa de aquellos años y al que reiteradamente solicitaron que enviase desde el exilio, en México, las publicaciones de la editorial Séneca, que dirigió durante 1940. Frecuentes fueron asimismo las peticiones de colaboración a la ex diputada socialista, expulsada del PCE en México, Margarita Nelken, cuyo hijo, al igual que el de Dolores Ibarruri, Pasionaria, murió en la defensa de Moscú contra los nazis.

Romances de Mateu

Entre las obras inéditas ahora rescatadas se encuentra el libro de poemas Voces de España de Julio Mateu, quien colaboró intensamente con Enrique Castro, Luis Abollado, Segis Álvarez, Ramón Barro, Jacinto Barrio y Ramón Mendezona en Radio España Independiente, que emitía desde Moscú. Castro tardó poco en ser expulsado del PCE y otros, Mateu entre ellos, sufrieron sanciones que los apartaron de la emisora. Desde el exilio, el poeta Mateu escribía: "¡Volveré" Que yo a España, volveré (...) Que he de volver, vivo o muerto, por el aire, el mar o a pie (...) Tarde mucho o tarde poco, vivo o muerto, ¡volveré!" Si no él, sus romances cargados de emoción y los escritos de aquel "poeta de dos patrias", como gustaba apellidarse, han podido llegar a España setenta años después del exilio.

"Ahora mi trabajo no es sólo una obligación sino una pasión social", escribe Ramón J. Sender

También del poeta alicantino Pascual Pla y Beltrán guardaban noticia los archivos rusos sobre la Guerra Civil. En su caso se trata de correspondencia con algunos camaradas rusos que participaron en el Congreso de los Intelectuales Antifascistas celebrado en Valencia en 1937. Pla y Beltrán eran de origen humilde y, como Miguel Hernández, trabajó desde niño y no pudo estudiar. Pero sus textos quedaron en El Mono Azul y en Hora de España.

Tras la Guerra Civil fue detenido y condenado a muerte, le conmutaron la pena y pudo salir de la cárcel en 1946. Ocho años después logró salir de España hacia América Latina. Murió en Venezuela en 1961. Si durante la guerra no podía contestar a tiempo a las demandas literarias de los camaradas rusos y se disculpaba porque estaba en el frente, cuando salió de la cárcel, ya pocos se acordaban de él, pero en los archivos queda su intensa labor en aquella Alianza de Escritores Antifascistas.

Todos los documentos que guardaba Moscú

Filmografía
Las cintas restauradas y rescatadas hasta ahora contienen reportajes informativos sobre la Guerra Civil española, realizados por el cineasta soviético Roman Karmen, quien en 1938 se trasladó a cubrir la guerra de China, atacada por Japón.

Fotografía
Los principales reportajes se refieren a la vida y actividades de las Brigadas Internacionales, organizadas por el Komintern y dirigidas por el comunista francés André Marty.

Documentos
Decenas de archivos oficiales y personales de dirigentes republicanos fueron evacuados a Moscú. A ello se suma el arsenal documental sobre las relaciones oficiales y, en el caso de algunos escritores e intelectuales, la correspondencia con colegas rusos.

Informes militares
Los soviéticos ayudaron a la República con unos 3.000 militares y expertos, cuyos jefes enviaron cientos de informes sobre la evolución de la Guerra.

Esto es un robo

Robado en pleno día un cuadro de Magritte en su museo de Bruselas

Dos hombres armados se llevan la obra 'Olympia', valorada en tres millones de euros

ELPAÍS.com - Madrid - 24/09/2009

Un cuadro del pintor surrealista belga René Magritte, titulado Olympia, ha sido robado en pleno día en el museo de Bruselas dedicado a este artista, poco después de abrir sus puertas, según informa la cadena BBC.

La noticia en otros webs

Valorado en unos tres millones de euros, el cuadro, un desnudo que data de 1948, fue robado por dos individuos no identificados, uno de ellos armado, tal y como ha explicado el conservador del museo.

"Dos individuos, uno de ellos de tipo asiático, hablando uno inglés y el otro francés, irrumpieron en el museo poco después de la apertura, uno de ellos armado con una pistola. Los dos hombres, que actuaron a cara descubierta, obligaron a dos de los tres empleados a tirarse al suelo y uno de los ladrones escaló la pared de vidrio de un metro y medio que separa el cuadro del público para llevárselo", ha contado.

René Magritte, que murió en 1967, está considerado como uno de los pintores más influyentes del siglo XX.

Mire aquí una fotografía del cuadro publicada por el diario belga Le Soir

U2 vendrá a Sevilla en 2.010.......

www.elmundo.es

La banda irlandesa U2 actuará por primera vez en Sevilla el 29 de septiembre de 2010

Momento en el que U2 se presentaba ante el público de Barcelona. | Quique García

Momento en el que U2 se presentaba ante el público de Barcelona. | Quique García

Los rumores que colocaban a la que muchos consideran la mejor banda de rock del momento en Sevilla al fin se han confirmado. El grupo irlandés U2 ha anunciado, a través de su página web , que actuará en el Estadio olímpico de Sevilla el 29 de septiembre de 2010.

Según el sitio web oficial de la banda que lidera Bono, la capital andaluza es, por el momento, la única ciudad española incluida en la segunda parte su gira europea para 2010. Once días antes actuarán en el Stade de France de París, y tres días después lo harán en la ciudad portuguesa de Coimbra.

El grupo ha decidido, "dado el éxito de la gira U2 360º European Tour", aumentar el número de conciertos y prolongarla a lo largo de 2010. La nueva etapa de la gira recalará en Alemania, Dinamarca, Finlandia, Rusia, Austria, Grecia, Turquía, Francia, Bélgica, España y Portugal.

Con la confirmación de U2 -de quien se venía rumoreando su presencia en Sevilla desde el comienzo de la gira actual-, la capital andaluza parece haberse situado definitivamente en la lista de plazas a tener en cuenta por los grandes de la industria musical.

Tras una larga sequía de música en directo a gran escala -hay que remontarse a los conciertos de Mecano o Guns'n'Roses en la década de los noventa-, el pistoletazo de salida lo dió, eñ 16 de septiembre de 2008, Madonna con su concierto en el Estadio olímpico dentro de la gira 'Sticky and Sweet Tour'.

Meses después, el encargado de llenar el mismo estadio y hacer vibrar al público como nunca se había visto en Sevilla fue Bruce Springsteen, quien ofreció un memorable concierto dentro de su gira 'Working on a dream tour'. El éxito de público y organización en ambos conciertos, han influido indudablemente en la decisión de las grandes productoras para tener a Sevilla en cuenta, al fin, de cara al futuro.

domingo, 20 de septiembre de 2009

No diga "radio", diga "Spotify"

Spotify, los secretos de un gigante que lo quiere todo

La compañía espera llegar al millón de usuarios en España este 2009

El director de Spotify en España, Lutz Emmerich.
www.publico.es/J. M. M. - MADRID - 20/09/2009 08:00

Son cinco y trabajan en una oficina compartida del madrileño Paseo de la Castellana. Al frente del equipo está Lutz Emmerich, director en España de Spotify, la aplicación que más ha dado que hablar en el sector musical en los últimos años.

Spotify ha conseguido lo que parecía imposible: que público, discográficas y casi todos los artistas (un buen número de grandes estrellas ha retirado su repertorio del servicio) se pongan de acuerdo. Todo esto, claro, por el momento, ya que el proyecto es todavía un bebé dando sus primeros pasos y debe demostrar su rentabilidad.

"Mi primera experiencia con Spotify fue hace año y medio, cuando uno de sus creadores me envió su nuevo proyecto. Pensé: ¿En qué se ha metido? ¿Otra vez música y streaming? No puede ser. Cuando lo probé y me di cuenta de su rapidez, me dije: tengo que trabajar en esto", explica Emmerich.

Spotify fue creado en Suecia por Daniel Ek y Martin Lorentzon. Se trata de dos empresarios tecnológicos que invirtieron los beneficios de otros negocios en este nuevo reto. Empezaron a trabajar en 2006, y durante los dos primeros años financiaron ellos mismos todo el proyecto (tenían a 50 programadores trabajando en él).

Su idea era la siguiente: como la gente prefería la piratería para escuchar música, había que crear un sistema que mejorara la piratería. Y nació Spotify. "Si tú te metes en eMule, primero lo tienes que encontrar, luego ver de dónde te lo bajas y finalmente confiar que el contenido es el que indica el archivo. Nosotros ofrecemos lo que buscas de forma más rápida y con más calidad", afirma Lutz Emmerich.

Los sellos, en el ajo

Antes de lanzar Spotify, negociaron con las discográficas las licencias de uso de sus repertorios. Fue el proceso más difícil. Transcurrieron varios meses hasta que los sellos multinacionales, que tienen una participación en la compañía, dieron el sí definitivo. En la actualidad, Spotify cuenta con más de seis millones de canciones.

Por ahora, sólo seis países cuentan con Spotify: Suecia, Reino Unido, Francia, Noruega, Finlandia y España. La compañía tiene 80 empleados en todo el mundo, cinco de ellos en nuestro país. De los 750.000 españoles que se han instalado Spotify en su ordenador, la mayoría tiene entre 18 y 44 años. El 60% son hombres y el 40% mujeres. El siguiente paso para Spotify: el desembarco en Estados Unidos y en China

La mezcla entre ‘streaming’ y P2P

Es increíble, intuitivo y simple. Ahí radica su diferencia”, dice Marcelino Moraleda, director de ventas digitales de Sony BMG. Todos coinciden en que uno de los puntos fuertes de Spotify es la facilidad con que se maneja y la accesibilidad de sus contenidos. “Pinchas sobre la canción y al instante suena. No es como otros servicios de ‘streaming’, que tardan mucho en cargar”, añade Mia Nygren, de Universal.

En realidad, Spotify no es un ‘streaming’ puro. La aplicación es un sistema híbrido entre ‘streaming’ y el conocido P2P. Al instalar Spotify en su ordenador, el usuario comparte parte de su disco duro con los otros clientes. Así, al seleccionar una canción muy escuchada, esta procederá de los ordenadores de otros usuarios. Si el tema no es oído habitualmente, entonces sí procede de servidores externos. Por lo demás, el sistema de búsqueda es muy sencillo y permite el rastreo por artista, canción, álbum, género e incluso sello.

El usuario tiene la posibilidad de crear sus propias listas de reproducción, que puede compartir con sus amigos enviándoles una simple dirección de URL. Por ahora, no se puede valorar la música ni hacer recomendaciones. En lo que respecta al servicio de pago, el director de la compañía en España no quiere dar el número de abonados, aunque sí admite que “todavía es una cifra muy pequeña. Ahora estamos trabajando en eso”.

"El dinero es el mensaje"

Confesiones de un adicto al arte

Poderoso, influyente y siempre esquivo, el coleccionista británico Charles Saatchi habla por primera vez de su enigmática figura en un provocador libro-entrevista

www.elpais.es/ ELSA FERNÁNDEZ-SANTOS - Madrid - 20/09/2009

¿Qué es lo más honesto que puede decir de sí mismo? "Me llamo Charles Saatchi y soy un adicto al arte". Así se retrata el hombre más poderoso del arte británico, el gurú de la publicidad que se convirtió en uno de los coleccionistas y galeristas más influyentes del mundo, el hombre que vendió por casi 12 millones de euros una de sus obras fetiche, el tiburón en formol de Damien Hirst, o el que hizo famosa la sucia cama de Tracey Emin, dos de los artistas que lanzó a finales de los años noventa con su ya célebre exposición Sensation.

Vendió por casi 12 millones el tiburón en formol del artista Damien Hirst

Nacido en Bagdad en una familia de origen judío, Charles Saatchi (adicto al arte y también al tabaco) ha logrado que se hable incansablemente de él sin que nadie supiera muy bien de quien se hablaba. ¿Un millonario excéntrico, un genio del marketing capaz de venderle hielo a los esquimales o un genuino provocador que llama arte a una serie de cuadros pintados con semen? Todo eso y nada de eso. El libro My name is Chaarles Saatchi and I am an artoholic (subtitulado Todo lo que tenía que saber sobre arte, anuncios, vida, Dios y otros misterios y no le daba miedo preguntar) es una entrevista-río con casi 200 preguntas que pretende desenmascarar al personaje. Con buenas dosis de humor, un poco de cara dura y suficiente sinceridad, el libro de Saatchi -editado por Phaidon y mañana a la venta en España- ha corrido como la pólvora por el Reino Unido.

Y no es para menos. Cuando a un gurú de la modernidad le preguntan cuáles son sus héroes y responde que el Gregory Peck de Matar a un ruiseñor, el Gary Cooper de Solo ante el peligro, el Marlon Brando de La ley del silencioy el Cary Grant de Con la muerte en los talones -"para un chico que creció en el cine Rialto esos son los héroes para toda la vida"- es que hay realidad y ficción para un buen rato.

Saatchi se autorretrata de manera burlona y megalómana ("según mis amigos el único flechazo real que he tenido en mi vida es conmigo mismo") mientras confiesa que su pintor preferido es Pollock, que siente debilidad por Goya y que su museo es el Prado. Las preguntas han sido elaboradas por críticos, periodistas y público. Saltan en el tiempo y en los temas. Las respuestas, también. De su mujer, Nigella, a Damien Hirst (según Saatchi no está en racha como artista), al cóctel de pastillas que toma para dormir o al esperado show sobre arte que prepara para televisión.

-Se ha aprovechado alguna vez de alguien en el mundo de arte?

-Si le preguntasen al Dalai Lama, a la Madre Teresa o a Mahatma Gandhi si alguna se aprevecharon de alguien mentirían si proclamaran que nunca. Así que pongame ahí arriba, junto a ellos, y gracias.

-¿Posee usted algo que tenga más de 50 años?

-Yo.

-¿Simboliza la calavera de diamantes de Damien Hirst el vacío del arte moderno, que tiene que ver más con el dinero que con el mensaje?

-Cariño, el dinero es el mensaje.

-¿No le parecen papel pintado sus pinturas de puntos?

-También podría decir que las pinturas de Rothko son bonitas alfombras. No es un crimen que el arte sea decorativo.

-¿Cree usted en todo esto?

-No soy tan listo como para ser un cínico, así que no me queda otra salida que creerlo.

En 1970, cuando tenía 27 años, Saatchi fundó con su hermano Maurice la famosa agencia Saatchi&Saatchi. Ya entonces compraba arte. Él se defiende: ni "superccoleccionista" ni el mejor comerciante del mundo. "Da igual lo que digan de mí, lo único que importa es el arte. Compro lo que me gusta. Luego, si me apetece, lo vendo y compro más. Es lo que he hecho durante 30 años, y a estas alturas ya saben de qué voy. Que venda no quiere decir que haya cambiado de idea sobre lo que he comprado, simplemente significa que no quiero almacenarlo todo para siempre"

No hay reglas a la hora de comprar. Y una buena colección también se hace con grandes errores y no siempre con el mejor picasso. Es el placer de comprar, y también el de poseer.

-¿Quiere ser una celebridad?

-Estoy contestando a estas preguntas, así que debo estar bastante desesperado por algo, pero desde luego no es celebridad.

jueves, 17 de septiembre de 2009

La ansiedad se instala en la galería

Los profesionales del arte admiten la debilidad del sector ante la recesión

www.elpais.com/ E. FERNÁNDEZ-SANTOS / I. LAFONT - Madrid - 17/09/2009

Después de un año fatal llega la encrucijada, al menos para las galerías de arte, que esta noche abren su temporada de exposiciones. Y lo hacen con la ansiedad que surge ante lo imprevisto. El discurso se impone optimista y hasta combativo, pero bajo cuerda las galerías admiten caídas en picado en las ventas. Aunque no son dados a poner cifras sobre la mesa, algunos hablan de hasta un 40% menos, o de ingresos trimestrales que se derrumban desde los 500.000 hasta los 12.000 euros. Para los galeristas, es el momento de "echar el resto", o de enfrentarse a nuevos "planteamientos" para resistir el fuerte oleaje.

Los galeristas hablan de caídas en las ventas de hasta el 40%

"Esta crisis es más dura que la del 92, y aquella fue bestial", afirma Lola Moriarty. "La situación es difícil, pero el año que viene va a ser peor", añade Elba Benítez. "Las previsiones económicas indican que los países de la Unión Europea empezarán a remontar a finales de año, pero hasta que eso llegue a la economía real habrá un desfase. Y en España tardaremos más. Todavía tenemos que tocar fondo para empezar a salir". Las dos galeristas son miembros de la asociación ArteMadrid, que reúne a 44 profesionales.

En Barcelona, ArteBarcelona, reúne 22 espacios. Su presidente, Carlos Durán, de la galería Senda, pone freno al pánico: "La crisis del 92 fue peor: directamente desapareció el público. Creo que ahora lo importante es que después de un año y pico de fuerte crisis hemos aguantado, en lo económico pero también en lo emocional y en lo moral".

Àngels de la Motta, de Estrany / De la Mota y de la Asociación de Galerías Independientes de Barcelona, habla también de la necesidad de mantener "el ánimo" después del "brutal parón" que siguió al último Arco. "Nos enteramos tarde de la crisis, y eso ha sido uno de los problemas graves. En 2008 los museos seguían comprando y el coleccionismo privado no había parado, pero en 2009 la caída vino de golpe". "Lo más importante es dar sensación de normalidad", continúa la galerista Juana de Aizpuru. "Yo he hecho un programa para la temporada tratando de que sea lo más brillante posible". De Aizpuru coincide con otro veterano del sector, Joan Anton Maragall, de la galería Trama de Barcelona: "Las galerías tenemos una capacidad de resistencia importante y con un mínimo empuje pasamos el Rubicón. La diferencia con la crisis del 92 es que aquélla vino después de una burbuja de euforia absoluta, la que hubo entre el 89 y el 92, y por eso el impacto ha sido menor".

Las responsables de Travesía Cuatro, en Madrid, eran estudiantes en aquella época. Ayer, mientras organizaban una comida para una veintena de coleccionistas ("el día de la inauguración no tendremos tiempo para todos"), aseguraban que la caída de ventas ha sido del 40% pero que, pese a eso, continuarán apostando por su presencia en ferias internacionales. "Ahora todo lo miras más, pero si nos volvemos conservadores nos morimos de hambre. El coleccionista serio existe, aunque, por desgracia, más en el extranjero que en España, donde es débil y menos profesional", dicen.

Muchas esperanzas y muchos miedos se dirigen ahora hacia la próxima edición de Arco, que se celebrará del 17 al 21 de febrero. "Un buen Arco te salva una mala temporada", asegura Moriarty. La ausencia de galerías y coleccionistas extranjeros importantes podría dar al traste con las expectativas ante la feria. "¿Bajas? Yo no hablo de bajas ni de rechazos. Hay galerías extranjeras que vinieron el año pasado y que este año no vienen", dice Lourdes Fernández, directora de Arco.

Pero hasta ese momento, la solución pasa por mantener el nivel de exigencia, pero con menos gastos. Las galerías medianas, además, se quejan de asumir los mismos costes que las grandes aunque venden piezas más baratas. Mientras Travesía Cuatro y Moriarty abren la temporada con la obra de un mexicano y una neoyorquina, respectivamente, (y sólo el traslado de la obra supone una importante inversión), para Marielo Góngora, de la galería Fernando Padilla, no es momento para "caprichos". "La gente está retraída y no se está acercando a las galerías, quizás para no encapricharse. O quizás porque no es el momento de comprarse un cuadro y mostrarlo a los amigos. Nosotros hemos elegido para esta temporada artistas jóvenes, que tienen precios atractivos. Si ofreces obras de 400 a 600 euros es más fácil darles salida".

Como en toda crisis, los espacios emergentes son los principales damnificados: "Hacer exposiciones es muy caro, nosotros dimos el salto hace tres años, pero las ventas cayeron en picado el año pasado y el 14 de agosto cerramos", cuenta Sergio Aguilar, de Subacuática, una galería madrileña que arrancó con vocación urbana y joven y acabó con el cerrojo puesto.

Los galeristas no dejan de reclamar su papel en el desarrollo de la cultura. Guillermo de Osma, presidente de ArteMadrid, pide que, sin llegar a las subvenciones, se facilite la tarea con rebajas del IVA y de los gastos de importación. Las ayudas no llueven y, cuando lo hacen (como las de Comunidad de Madrid para ferias internacionales), caen "sin aviso y en pleno mes de agosto", apunta un galerista que airado añade: "Estamos muy bien para la foto pero luego no existe ni una sola ayuda. No como en el cine o en otros negocios culturales".

Frases para una crisis

- Lola Moriarty. "El coleccionista vocacional sobrevive y el especulativo, que compra para invertir, es el que ha desaparecido con esta crisis".

- Àngels de la Motta, de Estrany / De la Mota. "Cada uno tiene sus propias fórmulas, menos ferias, menos gastos, reducción en producción, exposiciones más austeras y más proyectos comunes".

- Juana de Aizpuru. "Todo el mundo dice que va a ser peor que la pasada, pero yo creo que siempre se encuentra un comprador para obras de calidad de artistas reconocidos".

- Inés López-Quesada, de Travesía Cuatro. "La crisis en el sector del arte es global, pero en España es más profunda porque creemos que la afición es menor".

- Carlos Durán, de Senda. "Las épocas de bonanza no son buenas para todo y las épocas duras son buenas para que reflexionen artistas y galeristas".

Artilugios para engañar al ojo

El CAAC muestra la prehistoria del cine a través de la colección Nekes

www.elpais.com/ MARGOT MOLINA - Sevilla - 17/09/2009

El cineasta alemán Werner Nekes fue en 1972 a Bilbao a presentar una de sus películas experimentales y se topó con la tienda de un mago de la que salió con un taumatropo, un juguete óptico que consiste en un disco con dos imágenes diferentes en ambas caras y que al girarlo con una cuerda las imágenes parecen unidas. Esta rudimentaria máquina fue el comienzo de la que hoy es la mejor colección de la prehistoria del cine. "El taumatropo era de latón y tenía pintados a un hombre y una mujer en cada lado, de forma que al girarlo parecía que estaban haciendo el amor", recordaba divertido ayer Werner Nekes mientras recorría la exposición Máquinas de mirar o cómo se originan las imágenes, que se inaugurará hoy en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), en Sevilla. Anaformismos, linternas mágicas, caleidoscopios, espejos deformantes o fenaquistiscopios son algunos de los artilugios que precedieron al cine y que pueden verse en Sevilla.

    CAAC

    (Centro Andaluz de Arte Contemporáneo)

    A FONDO

    Sede:
    Sevilla (España)

La exposición reúne también obras de 45 artistas contemporáneos

La muestra, con la que se despide del centro su actual director José Lebrero, quien a partir de mediados de octubre estará al frente del Museo Picasso Málaga, reúne 200 objetos e imágenes precursores del cine que van desde el siglo XVI hasta principios del XX. "Ésta es la exposición más ambiciosa que ha acometido el CAAC y se complementará con Dispositivos ópticos, que se inaugurará el 8 de octubre, ambas incluyen también un programa didáctico, visitas guiadas y cursos de arte", explicó ayer Lebrero.

Los 200 artilugios que podrán verse en Sevilla hasta el 10 de enero forman parte de una colección de "entre 30.000 y 35.000 objetos" que Nekes atesora en una antigua fábrica de piel en Mühlheim (Alemania). "Comencé a coleccionar porque daba clases en la Universidad de Hamburgo y todas estas cosas me servían para poder explicar cómo se creó la imagen en movimiento a mis alumnos", asegura Nekes mientras aconseja a los visitantes que vayan con tiempo para poder usar una gran cámara oscura que se instalará en el patio del centro. "Ahora hago exposiciones porque así puedo tener algo más de espacio", bromea el cineasta.

"Pero el enfoque de la exposición no es nostálgico, sino muy contemporáneo", apostilla Nike Bätzner, comisaria de la muestra junto a Eva Schmidt y el mismo Nekes. "Mostramos también obras de 45 artistas contemporáneos que trabajan con algunos de estos aparatos muy simples, como la cámara oscura, y otros con los medios más sofisticados, como las cámaras digitales o los ordenadores", explica Nike Bätzner. Entre la selección se encuentran obras de Olafur Eliasson, Douglas Gordon, Ulrike Grossarth, Giulio Paolini, Regina Silveira y Robert Smithson. La muestra es una coproducción del Museum für Gegenwartskunst de Siegen (Alemania), la Fundación C3 de Budapest (Hungría) y el CAAC y ha recibido fondos de la Comunidad Europea.

"Sevilla es la tercera sede de la exposición, ha pasado antes por los otros dos museos, y cada uno ha aportado artistas nacionales. En nuestro caso contamos con Eulàlia Valldosera y Sergio Belinchón, que ya estaban en la selección original, y hemos añadido a Curro González, Laboratorio de Luz, Francisco Ruiz de Infante o Alejandro Sosa, entre otros", añade Lebrero.

miércoles, 16 de septiembre de 2009

Un fotógrafo para la adolescencia

Si alguien conoce los intereses de los jóvenes ese es Miguel Trillo, quien les retrata desde hace más de 30 años por todo el mundo y ahora inaugura su primera gran exposición retrospectiva


Color, piercing y acné: Miguel Trillo retrató a esta chica en el Skate Park de la playa de Samil (Vigo) en 1995.

www.publico.es/PEIO H. RIAÑO - MADRID - 16/09/2009 07:00


A finales de los setenta Miguel Trillo (1953) tenía tres pares de zapatos distintos, uno para ir a conciertos de rocabilis, otro para ir con los heavys y el tercer par era el que le abría las puertas a los corazones de los mods con sus corbatas, sus chupas y sus chapas. El fotógrafo se camuflaba para colarse sin levantar recelos entre sus retratados, hablaba con ellos de la música que escuchaban, de las fotografías que había hecho a algunos de sus grupos favoritos y encontraba la complicidad para una pose natural. Para entonces se cocía en España la toma de la libertad, surgía una generación dispuesta a destacar sus gustos ante los de la mayoría y todo aquello sucedía en torno a la música y a la ropa de los adolescentes.

Desde entonces esa ha sido su obsesión, retratos a personas de entre 15 y 23 años de edad, desde Barcelona a Dubai. Pero Trillo no es el fotógrafo viajero que se siente atraído por lo exótico, por lo distinto, por la civilización a punto de desaparecer. A Trillo, esté donde esté, lo que le gusta es hacer la misma foto una y otra vez, no le importa que sean colombianos, marroquíes, londinenses o filipinos, él fotografía a las tribus urbanas, a los raperos y los breakers, a los punks y góticos, los skaters y surferos, los b-boys y b-girls, todos. Tan distintos, taniguales.

Esa ha sido su obsesión, retratos a personas de entre 15 y 23 años

"Siempre he fotografiado al mismo joven, en épocas distintas. Es una forma de negar el tiempo que ha pasado entre las generaciones. He fotografiado a rockers de los años ochenta y noventa que se vestían como los jóvenes de los cincuenta. Ellos mismos te decían que no querían saber nada de la música actual. Para ellos el tiempo no había pasado", dice el fotógrafo para el que las tribus urbanas niegan el tiempo, aunque él se dedique con sus fotografías a recordarles el presente en el que viven. Incluso niegan el espacio, porque "ya no existen las fronteras" y sus retratos juegan a relatar cómo es la aldea globalizada.

Insistir para existir

Le gusta su lema y lo rescata en cuanto puede para remarcar ese compromiso con el trabajo de más de tres décadas: "Insisto, luego existo". Esta obstinación le ha dejado de lado estos 30 años y sin una revisión notable que haya situado a este profesor de Literatura donde se merece, entre los grandes nombres de la historia de la fotografía española. Pero por fin se rinde homenaje a su carrera con una retrospectiva, que para en el centro de arte Canal de Isabel II de la Comunidad de Madrid, bajo el título Identidades.

Conoció a los personajes de la Movida cuando tenían 16 años

Junto con Pérez Mínguez, Ouka Leele y Alberto García Alix, Miguel Trillo ha sido el otro fotógrafo de la Movida (inexplicablemente olvidado). Estuvo en todos los conciertos, desde el primero de Kaka de Luxe en la Facultad de Caminos, en el año 1978, y conoció a sus personajes cuando ellos tenían apenas 16 años: "Mi fuerte ha sido haberles cogido cuando todavía eran embriones". Pero reconoce que no le interesa revisitar aquel momento que se ha llenado de nostalgia, porque lo que sigue buscando es el deseo de libertad. El comisario de la exposición, José Lebrero, incide en este aspecto al asegurar que a Miguel Trillo le interesa captar aquello que a los jóvenes les hace diferentes e independientes.

En aquellas fechas Trillo fotografiaba en blanco y negro y experimentaba con el surrealismo. En seguida se olvidó de lo que estaba más allá de la realidad, porque es un fotógrafo que necesita el parlamento, la palabra con sus sujetos. Antes llevaba dos cámaras a los conciertos: una la cargaba en color y estaba destinada a las fotos del escenario, la otra, cargada en blanco y negro, para el público.

Hasta que se da cuenta de que lo interesante no está en el escenario, como él mismo apunta. En ese momento nace su interés por el anónimo, por el personaje que protagoniza la historia que no se conoce con su actitud, su ropa y su pose. Es en ese momento cuando aparecen esos maravillosos fondos en apariencia neutros, sobre los que empotra a todas sus criaturas. Hay paredes, rejas, cuartos de baño, grafitis, locales cerrados, ladrillo, telas, vallas de obra la ciudad y nada más que la ciudad. Él dice que es como un bodegón, como una naturaleza muerta. "No sé qué elijo primero, si la persona o la pared", explica.

"No sé qué elijo primero, si la persona o la pared", señala Trillo

También dice que la música es la disciplina artística más cercana al cuerpo y al sexo, al deseo. "Es la banda sonora de nuestras vidas, algo de lo que uno no se puede desprender. Nadie se puede quitar de encima la música", explica el fotógrafo que ha visto cómo se le negaba su categoría como fotógrafo por estar tan cercano a la música.

Eres lo que vistes

"Sólo hablo de una cosa: el placer del cuerpo vestido. Mi fotografía es el retrato de la historia de la diversión, el aprendizaje del placer", descubre Trillo entre las casi 120 fotografías que forman parte de la muestra. Se refiere al placer que produce poder decir "así soy". "El joven siempre puede mentir con sus palabras, pero no con su ropa. Sus ropas le delatan, es mi mejor información para acercarme a ellos".

"[En mi trabajo] sólo hablo de una cosa: el placer del cuerpo vestido"

No hay acontecimientos históricos, no hay acción, no hay fotografía de la filigrana ni del espectáculo, no hay fotoperiodismo, son imágenes planas, retratos neutros, pero radiantes de credibilidad, veracidad y naturalidad. Las instantáneas de Trillo son sencillamente instantes pasajeros de la vida. Pequeños fragmentos que él ha juntado para montar una ficción. "En fotografía es muy difícil crear un mundo propio porque lo haces con trozos de realidades ajenas y así es como se crea una narración de ficción. Fíjate en esta exposición: cada disparo serán décimas de segundo, seguro que, si sumamos todo ese tiempo de todas estas fotos de 30 años, no llegamos ni al minuto mira si es falsa la fotografía", explica el Trillo más ingenioso a este periódico.

A todas luces Trillo debe ser una de las personas, por no llamarle científico o sociólogo porque él reniega de esos términos, que más conozca a la juventud de este país desde hace 30 años y destruye tópicos con solvencia: "Lo que cambia es la sociedad, no los jóvenes. Las familias han cambiado, sus padres han cambiado y ellos también", dice el fotógrafo.

Todos sus jóvenes son personas muy especiales, les ha seleccionado por "vibración". Algo que le indica que son ellos y no otros. Un síntoma para descubrirlos: el escupitajo. "Vamos a ver, no hay escuela de escupidores y los hay que lo hacen con una clase ¿dónde lo aprendieron?", remata con una pregunta a la que ya tiene respuesta: aquí hay mucho espejo, en el escupitajo, en los andares, en el cigarro y en el caminar, aunque todos estén quietos.

Cara a cara con jóvenes durante más de 30 años

La movida
“Soy un fotodocumentalista. Me interesa más el teatro, porque los retratados representan su propia vida, su obra, con su obra y sus poses”, por eso es tan importante entender que la fotografía de Miguel Trillo es fruto de la llegada de la democracia.

Los pijos
Miguel Trillo no quiere ser un cazador, prefiere verse como un pescador, porque estos deben conocer el terreno que pisan para llegar hasta su presa, porque necesitan más tiempo, por la paciencia y porque hay que caminar mucho.

Los raperos
A finales de los ochenta y principios de los noventa, Trillo descubría grupos de hip-hop en la calle. Ellos le daban maquetas caseras y él se las acercaba a los sellos discográficos, así empezaron a grabar muchos grupos que conoció por entonces.

Las ‘b-girls’
El trabajo de Miguel Trillo, como a él le gusta explicar, niega el tiempo y el espacio, porque sus tribus se sienten vanguardia y no masa. No van con lo que les marca el tiempo en el que viven.

Discos de oro y otras gangas

La venta de música en España se desploma más de un 30% en seis meses

Las descargas suben y ya suponen el 17,5% de la facturación.- La industria rebaja el número de copias necesario para lograr el 'disco de oro'

EFE - Madrid - 16/09/2009

La venta de música en España ha caído un 30,5% en el primer semestre del año, según ha anunciado hoy la asociación de Productores de Música de España (Promusicae), entidad que apunta que este nuevo "desplome" indica que el sector discográfico español sigue "en caída libre". Según un informe de Promusicae hecho público hoy, los españoles se han gastado en el primer semestre de 2009 "poco más" de 87,7 millones de euros en comprar música grabada en soporte físico o digital, mientras que en el mismo periodo del año anterior la cifra de ventas llegó a los 126,2 millones de euros.

Un desplome "virulento" que sucede a "ocho años consecutivos de caídas en el volumen de facturación", ya que entre 2001 y 2008 se había acumulado "una caída en las ventas de música del 64%", según apunta Promuscae. Un descenso que supone también que la caída de ventas de música en España se produce "a un ritmo aún más vertiginoso del que vaticinaban los cálculos más pesimistas".

En este panorama, las ventas en soporte digital (que han crecido 5 puntos y suponen ya un 17,5% de la facturación total del mercado) siguen siendo "la eterna esperanza" del sector, aunque las descargas legales a través de teléfonos móviles o en las páginas web no están creciendo al mismo ritmo en el que se desploma el mercado de los soportes físicos como CD o DVD. Las descargas legales de música en portales han subido un 68%, ya que mientras que en el primer semestre de 2008 supusieron 4,2 millones de euros para la industria discográfica en 2009 alcanzaron los 7,1 millones.

Politonos, a la baja

El negocio de los tonos para los móviles y de las descargas de canciones a través de los teléfonos, que en años anteriores pareció "prometedor", ha sufrido en el primer semestre del año un "frenazo drástico" del 37,4 por ciento, al pasar de recaudar 10,2 millones de euros entre enero y junio del 2008 a 6,4 millones en el mismo periodo de 2009.

Antonio Guisasola, presidente de Promusicae, una patronal que aglutina al 94% de la industria discográfica española, se queja de que en España no pueda existir un mercado digital similar a países como Francia, Alemania o Reino Unido, donde los gobiernos han tomado medidas e "impedido que internet se rija por la ley del salvaje oeste". El presidente de Promusicae añade que esta entidad lleva seis años "avisando del problema" y "asistiendo a la destrucción sistemática e impune de todo el sistema de creación cultural de nuestro país" a través de las descargas ilegales de música.

"La pasividad de las administraciones públicas y su tibieza en este asunto ha permitido que se consoliden estos comportamientos sociales, repudiados y reprimidos en cualquiera de los países de nuestro entorno, haciendo que la solución sea más compleja cada día que pasa".

Discos de oro más 'fáciles'

Ante estos datos, Promusicae ha decidido hacer "una segunda rebaja" en las ventas necesarias para conceder a los artistas los Discos de Oro y Platino. A partir de este mes se concederá el Disco de Oro con 30.000 álbumes vendidos y no 40.000 como sucedía hasta ahora, y el Disco de Platino ya no se alcanzará con 80.000 ejemplares vendidos sino con 60.000.

Esta es la segunda "rebaja" consecutiva que Promusicae tiene que aplicar a estos galardones desde su creación, ya que hasta 2005 los Discos de Oro equivalían a 50.000 unidades y los de Platino a 100.000, unas cifras que en la actualidad "son auténticas quimeras para la práctica totalidad de los músicos españoles", señala Antonio Guisasola.

martes, 15 de septiembre de 2009

El arte no puede ser indiferente

www.elpais.com

El feminismo, el sufrimiento humano y la tragedia cotidiana son los temas de la Bienal de Estambul más política

ÁNGELES GARCÍA - Estambul - 15/09/2009

Las bienales de arte sirven para reflexionar acerca de la creación. Lo que las distingue es el foco. Si la última de Venecia fue una especulación sobre el futuro, la de São Paulo propuso un parte de defunción de este tipo de acontecimientos. La 11ª Bienal de Estambul -hasta el 8 de noviembre- no pierde precisamente el tiempo con elucubraciones. Más bien sorprende por sus contundentes propuestas políticas y por sus radicales denuncias. La marginación de los pobres, de las mujeres o de los homosexuales son algunos de los temas que se tratan aquí.

Los artistas tienen en torno a 30 años, con una presencia de mujeres muy alta

En las fotos de Blinova las manos reproducen los genitales femeninos

Cuatro mujeres jóvenes de origen croata, integrantes del colectivo Who, How & for Whom (WHW, 'Quién, Cómo y Para Quién'), han comisariado una edición en la que el sufrimiento humano es protagonista. En tres espacios diferentes se muestran 141 piezas firmadas por artistas de 40 países. María Ruido (Orense, 1967) es la única presencia española. En un vídeo de 30 minutos, Ficciones anfibias, habla de la fragilidad laboral a partir de la transformación sufrida por la industria textil catalana con la llegada de trabajadores chinos a comienzos de los setenta.

Las cuatro comisarias explicaron sus objetivos en un acto que más que la habitual rueda de prensa, acabó siendo una auténtica performance. Ivet Curlin, Ana Devic, Natasa Ilic y Sabina Sabolovic ilustraron con abundantes datos las razones por las que creen que el arte no puede vivir indiferente a las tragedias de su entorno.

El epígrafe unificador de la bienal es De qué vive el hombre, título inspirado en una canción de Bertolt Brecht. Pero sus promotoras rechazan con firmeza caer en el panfleto y recuerdan que el arte no es un coto reservado a las formas ni al puro experimento. La fotografía, el vídeo y el texto son armas que los artistas deberían, dicen, usar para llamar la atención sobre la injusticia. Recordaron también que la Bienal de Estambul siempre ha tenido un fuerte acento político por la propia ubicación de la ciudad, un puente entre Europa y Asia que, con sus casi 17 millones de habitantes, es un reflejo de las fricciones entre Oriente y Occidente. Las fronteras, las religiones, la realidad possocialista de los países del Este o las desigualdades sociales tienen aquí una presencia insoslayable.

Los artistas invitados a participar se mueven en torno a los 30 años. La presencia de mujeres es contundente (30 frente a 32 firmas masculinas), tanto en obras individuales como en colectivas. Y todos han tratado temas sociales en sus trabajos anteriores. El único homenaje al arte consolidado es una instalación del coreano Nam June Paik (1932-2006) en la que juega con rostros de mujer a través de 40 portadas de la revista Life.

El recorrido por los espacios de la bienal, unas viejas naves industriales junto al Museo de Arte Contemporáneo, una escuela griega y una antigua fábrica de tabaco, deja un regusto inevitablemente amargo. La pieza más celebrada por los especialistas que en las vísperas visitaron la Bienal es Democracias, una instalación de 16 proyecciones conjuntas realizada este mismo año por el polaco Arthur Znjninki. Es imposible salir indiferente tras contemplar las manifestaciones de trabajadores con brutales cargas policiales. No son menos brutales los gritos de ultraderechistas contra mujeres a favor del aborto. También hiela la sangre contemplar a curas polacos aullar desde los púlpitos contra esas mismas mujeres. Todo ello ocurre en el antiguo país comunista. Y el artista se pregunta si no hay más solución que vivir entre la barbaridad o el socialismo.

Los argentinos del colectivo Etcétera aportan la pieza con más fuerza visual de la bienal. Bajo el título de la Internacional Errorista aglutinan una veintena de figuras silueteadas que recrean el mundo del cabaret con personajes que, copa en mano, hablan de la muerte.

La escuela es otro de los temas que más preocupan a estos artistas. Jesse Jones (Dublín, 1978) habla en Zaratrustra de la necesidad de aprender como única manera para sobrevivir. Durante 16 minutos, la cámara recorre un aula sin niños. Los primeros planos de los pupitres vacíos, de la pizarra sucia y de las perchas sin abrigos denuncian cómo los políticos abandonan el futuro.

La iconografía más feminista la aporta el colectivo Canan Çenal con un vídeo en el que se observa en primer plano dos pechos de mujer goteando leche, en una clara metáfora del origen sobre la vida. Lidia Blinova (Almaty, Kazajistán, 1948) expone 10 fotografías en las que las manos juegan reproduciendo la forma de los genitales femeninos. La broma la ponen las artistas israelíes Ruti Sela (Jerusalem, 1974) y Maayan Amir (Hedera, 1978) con un vídeo titulado Beyond guilt, donde se ven las torpezas de dos actores durante la filmación de una película porno. Es, por descontado, la pieza más visitada de la Bienal.

sábado, 12 de septiembre de 2009

Pagar para acceder a información y cultura de calidad

Rebelión contra el gratis total en la Red

Los medios de comunicación revisan su estrategia y empiezan a cobrar a los usuarios - Google está dispuesta a facilitar pequeños pagos por los artículos - Cine y música exploran nuevas fórmulas

www.elpais.com/MIRIAM LAGOA 11/09/2009

Que los contenidos culturales o informativos no van a seguir ofreciéndose gratis en la Red para siempre lo intuye hasta el gigante Google, el gran beneficiado del modelo de gratuidad para el usuario imperante hasta hoy. Google, enfrentada con los editores de prensa por explotar sus noticias, se rinde a la tendencia y prepara herramientas para facilitar los micropagos a los medios de comunicación. Las industrias de la información se han lanzado a explorar fórmulas para rentabilizar su presencia en la Red más allá de la publicidad, hasta ahora principal y casi única fuente de ingresos. Y el cine o la música, alentados por el éxito de empresas como iTunes, ensayan nuevas fórmulas para cobrar por sus productos mientras crece la presión política contra el libre intercambio de archivos en la Red.

La prensa avanza hacia un modelo mixto de publicidad y pago por el lector

'Liberation' ofrece acceder a las páginas según se van cerrando

Las películas de estreno se ofrecerán en 'streaming' antes de editarse en DVD

YouTube competirá con iTunes en la distribución de filmes en alquiler

Micropagos por noticias, suscripciones de distintos niveles, radios personalizadas o el pago por visión de películas en alta definición se abren paso en un Internet que, desde su nacimiento, había sido sido sinónimo de gratuidad.

Millones de internautas se han acostumbrado a acceder a artículos, discos o películas sin costes. Pero lo que muchos usuarios consideran un derecho, para las industrias de contenidos se ha convertido en un problema económico y de propiedad intelectual. Las empresas que, como los diarios, creyeron que abriéndose a la Red lograrían un retorno adecuado en forma de publicidad están dando marcha atrás. Los banners no compensan igual que los viejos anuncios de papel y muchos editores han decidido volver al cobro.

Tras las protestas de la industria cinematográfica y musical, el sector mediático empieza a rebelarse contra la gratuidad, en medio de la peor crisis publicitaria de su historia. Rupert Murdoch, propietario de News Corporation, el mayor grupo de medios de comunicación, encabeza la manifestación. En agosto, anunció que cobrará por el acceso a la versión digital de sus diarios -entre ellos, The Wall Street Journal, The Times y The Sun- a partir de 2010. "La revolución digital ha abierto muchos canales de distribución nuevos y baratos, pero eso no convierte el contenido que transmiten en gratuito", aseguró. El magnate australiano argumenta que la calidad no es barata y "una industria que regala su producto está canibalizando su capacidad de hacer buen periodismo". Murdoch ya ha mantenido reuniones con sus principales colegas, entre ellos The New York Times, para crear un gran consorcio que impondría el pago por la lectura de sus contenidos digitales.

Otras voces del sector van por la misma línea y como sostiene el editor del Financial Times, Lionell Barber, "durante los próximos 12 meses la mayor parte de las organizaciones de noticias estarán cobrando por sus contenidos". L. Gordon Crovitz, fundador de Journalism Online, aseguraba en una entrevista con EL PAÍS que los accesos gratis a la información en Internet tienen los días contados -"el modelo de negocio actual de acceso libre al contenido en Internet claramente no funciona"- y apostaba por uno mixto: "El futuro será una combinación de modelos de pago y gratuitos. Los consumidores pagarán directamente y también habrá modelos en los que distribuidores de distinta naturaleza, como los libros digitales, pagarán royalties".

Los últimos movimientos apuntan en este sentido. Siguiendo el ejemplo de Murdoch, The Economist, la revista financiera más prestigiosa del mundo, acaba de anunciar que cerrará su web y dejará de ofrecer noticias gratuitas, como venía haciendo desde septiembre de 2006. En seis meses, organizarán un nuevo modelo que puede estar basado en los micropagos.

El diario francés Libération que, desde su ideología de izquierdas se ha caracterizado por la defensa del "todo gratis" también ha cedido por el mal momento financiero que atraviesa. Desde ayer, ha puesto una parte de su edición electrónica de pago, mediante dos tipos de abonos. El básico -Essentiel, a seis euros mensuales- permite acceder al contenido del diario de papel en formato PDF, a los archivos de los últimos 15 años y otros servicios; el Première, a 12 euros, da acceso a la edición a medida que se van cerrando las páginas en el diario.

El caso de Libération no es aislado en Francia. Le Monde tiene una edición digital especial para abonados -también a seis euros mensuales-, al igual que Le Parisien (ocho euros) y el diario económico Les Échos (15 euros), mientras que Le Figaro y el semanario L'Express también preparan ediciones electrónicas de pago.

En el otro frente está Google. La empresa del buscador es el primer y, en muchos casos, único beneficiario de esa revolución del gratis total. Sus costes por agregar contenidos son casi nulos, y alimenta su negocio publicitario (Adsense y Adwords). El anuncio el pasado mayo de que Google añadirá publicidad a su agregador de noticias, Google News, levantó las iras tanto de las asociaciones de editores europeas y norteamericanas, que acusaron a la multinacional de lucrarse con el trabajo ajeno y sin su permiso.

A Google no le conviene el enfrentamiento directo contra toda la prensa mundial. Por eso, ha iniciado en los últimos meses un movimiento de acercamiento. La empresa podría estar preparando un sistema de pago online que permitirá que los periódicos puedan cobrar a sus lectores por acceder a sus artículos, según ha señalado el centro de reflexión sobre los medios de comunicación de la Universidad de Harvard. Google habría presentado el proyecto a la Asociación de Periódicos de EE UU (Newspaper Association of America), después de que la compañía fuera requerida sobre la viabilidad del sistema. En la presentación de su proyecto enviado a la NAA, Google vaticina que "la publicidad seguirá siendo probablemente la fuente de ingresos más importante de las empresas de medios de información", pero que "hacer pagar a los usuarios podrá proporcionar un suplemento de ingresos nada despreciable".

Otro sector que ya ha sufrido una profunda transformación ha sido la industria musical. Tras presentar numerosas demandas contra portales y programas que facilitaban descargas gratuitas, ha empezado a consolidar estrategias adaptadas a conciliar las posibilidades que ofrece Internet y con la rentabilidad económica, tras años en los que la descarga gratuita de música hizo tambalear los cimientos del sector discográfico. Páginas de venta de música por Internet como Amazon y iTunes, que incluso ha superado en ventas a la cadena de tiendas Wall Mart, han experimentado un crecimiento notable y han dado lugar a nuevas modalidades de venta, distribución y consumo de contenidos musicales que impulsan a las discográficas a replantearse sus estrategias comerciales. Tras la caída de las ventas de CD en las tiendas, la tendencia dominante es la aportación de servicios añadidos y la fragmentación de contenidos: las ventas de canciones sueltas se imponen a las ventas de álbumes completos. La compra en tiendas virtuales se impone a la venta física de CD.

Durante 2008, se comercializaron 1.400 millones de temas por la Red, el 24% más que en 2007. Desde ese año, el crecimiento ha sido espectacular. Hace dos años la venta de música en Internet sólo representaba el 20% de todo el mercado. Y un estudio de la prestigiosa consultora NPD indica que las ventas de música a través de portales como iTunes o AmazonMP3 sobrepasarán las de los compactos en 2010.

Pero el mercado no deja de evolucionar y las descargas han dejado paso al streaming, la reproducción de contenidos en web sin necesidad de descargarlos. El éxito de servicios de reproducción online como Last Fm, Yes.fm o la sueca Spotify han revolucionado el mercado y han hecho que el streaming se consolide como la opción preferida de los consumidores. Spotify es un radio adaptada a Internet, que nació del acuerdo entre sus creadores y las grandes discográficas. Ofrece una modalidad gratuita, con breves cuñas publicitarias, que incluye una amplia biblioteca musical y permite al usuario confeccionar listas con sus temas preferidos. Cuenta también con una opción de pago sin publicidad y una colección más extensa de canciones. "Los jóvenes piensan en YouTube y MySpace como los lugares donde oír música al instante, y los nuevos dispositivos son capaces de ofrecer acceso a lugares como Pandora o Last.fm, que funcionan como radios personalizadas", aseguraba Eliot Van Burskik, de Wired.

Otra de las últimas iniciativas surgidas en el sector en los últimos meses, ha sido la presentada Virgin Media, que planea un servicio de descargas que "por el precio de un par de discos al mes" permite al usuario acceder a todo el catálogo disponible, sin ningún tipo de límites. Los temas ofrecidos por la empresa del magnate Richard Branson, que ha sellado un acuerdo con el mayor proveedor de música en el mundo, Universal, no estarán protegidos con DRM (Digital Rights Management), el sistema anticopia.

El éxito de estas iniciativas, incluso entre una audiencia que se estaba acostumbrando a no pagar por tener las últimas novedades antes de que salieran al mercado, parece que marcará la pauta del futuro de la industria, y no sólo de la discográfica. Daniel Ek, fundador de Spotify, sostiene que ese futuro está en "en el acceso no en la propiedad". "En el futuro a los consumidores les dará igual tener o descargarse canciones. Lo que quiere es acceder a ellas".

Las discográficas llevan años ensayando los sistemas de pago pero hay otros sectores que se han mostrado menos activos. La industria audiovisual observa como las redes P2P, como Torrent o Emule, el streaming y las descargas directas, que proporcionan páginas como Rapidshare o Megaupload, son cada vez más utilizadas. Las descargas por esta vía se han duplicado por segundo año consecutivo, según un informe publicado por Big Champagne.

El sector cinematográfico no quiere quedarse atrás y en las últimas semanas se ha hecho pública la alianza entre Paramount, Lions Gate y Metro Goldwyn Mayer para lanzar al mercado Epix, un servicio de películas de alta definición en streaming que ofrecería los últimos estrenos de cine bajo suscripción en un paso más de la integración del cine en la Red. El sistema se comercializará al mismo tiempo que el pay-per-view y antes que la edición en DVD. En España, empiezan a ver la luz los primeros proyectos de pago similares como Filmotech.

Youtube, el portal gratuito que revolucionó la forma de ver vídeos en la Red, también ensaya fórmulas de pago y negocia con algunos de los grandes estudios de Hollywood la distribución de películas bajo la fórmula de alquiler similar a la que ya emplea iTunes, a un precio de 3,99 dólares, según recoge The Wall Street Journal.

El fenómeno no es ajeno a los intentos de frenar las descargas gratuitas. Reino Unido ha planteado la posibilidad de cortar la conexión a los usuarios que descarguen contenidos protegidos con copyright y Francia, tras intensos debates en el Parlamento, ha aprobado una ley para imponer multas de entre 1.500 y 3.750 euros a los usuarios. En España, donde la descarga de archivos por programas P2P no se considera delito, cualquier medida debe surgir del acuerdo entre operadores, industria cultural y Gobierno, hasta ahora sin resultados. En vez de esperar, los proveedores de contenidos ya están cambiando el paso.

Manifiesto sobre el nuevo periodismo

- Un grupo de periodistas y bloggers alemanes ha lanzado un manifiesto sobre el periodismo en Internet, que ha generado un intenso debate en la profesión. Éstos son sus postulados:

1) Internet es diferente. Los medios deben adaptar sus métodos de trabajo a la realidad tecnológica en lugar de ignorarla o cuestionarla.

2) Es un imperio mediático tamaño bolsillo. La web reorganiza las estructuras mediáticas trascendiendo antiguas fronteras y oligopolios. La publicación y distribución de los contenidos ya no está vinculada a fuertes inversiones.

3) Internet es nuestra sociedad y nuestra sociedad es Internet. Si las compañías mediáticas quieren sobrevivir, tienen que entender el mundo de los usuarios y asumir sus formas de comunicación.

4) La libertad de Internet es inviolable. Bloquear el acceso a Internet corrompe nuestro derecho fundamental a acceder a un determinado nivel de información.

5) Es la victoria de la información. Los ciudadanos pueden informarse ahora mejor que nunca.

6) Los cambios de Internet mejoran el periodismo. Ahora puede cumplir su vocación socioeducativa de una nueva forma. Quienes quieran sobrevivir necesitan nuevos ideales, nuevas ideas y ganas de explotar este potencial.

7) La Red requiere trabajo en red.

8) Hay que recompensar por links o por ser citado.

9) Internet es el nuevo lugar para el discurso político.

10) La libertad de la prensa significa libertad de opinión.

11) Más es más. No hay nada mejor que demasiada información.

12) La tradición no es un modelo de negocio. Los contenidos periodísticos en la Red pueden ser rentables, pero deben adaptar sus estructuras. El periodismo precisa competir abiertamente para lograr buenas vías de refinanciación en la Red, además de coraje para invertir en la puesta en marcha de esas soluciones.

13) El copyright se ha convertido en un deber cívico en Internet. Es el eje de la organización de la información en la Red. No se debe usar como excusa para salvaguardar mecanismos de suministro obsoletos y cerrar nuevas vías de distribución o licencias. Pero la propiedad implica obligaciones.

14) Internet tiene muchas monedas. Los servicios periodísticos on line financiados a través de anuncios ofrecen contenidos con un efecto multiplicador.

15) Lo que aparece en la Red permanece en ella.

16) La calidad es la cualidad más importante. Los usuarios se han vuelto muy exigentes en este sentido. 17) Todos para todos. La generación Wikipedia sabe valorar la credibilidad de una fuente. No busca al periodista que lo sabe todo, sino que comunique e investigue.